Ceysson & Bénétière : Henri-François Debailleux - NAM TCHUN-MO Interview

Henri-François Debailleux

Votre travail est dominé par la ligne. Quelle valeur lui accordez-vous ?

당신의 작업은 선線이 주조主調를 이루고 있습니다. 거기에 어떤 가치를 두고 있는지요?

La ligne est effectivement l’élément primordial. Si je devais résumer mon travail, je dirais qu’il est principalement fondé sur la recherche de la ligne, c’est cela qui m’intéresse avant tout. Mais pas la ligne comme on l’abordait autrefois. Lorsque je faisais mes études à l’université, j’ai été frappé par la façon dont les peintres anciens travaillaient et dont ils abordaient l’espace du papier traditionnel : au lieu de le saturer de lignes, ils pouvaient justement l’occuper, le remplir uniquement avec quelques lignes qui suffisaient à concevoir les résonnances qu’ils souhaitaient mettre en place. Moi ce n’est pas du tout cela. Je n’utilise pas du tout la ligne comme un dessinateur, je ne cherche pas à créer un espace particulier, ni de perspective. Je veux simplement mettre la ligne en relief, lui donner du volume pour qu’elle reçoive et accroche au mieux la lumière.

선은 실제로 기본적 요소입니다. 나의 작업은 간단히 말해서, 선의 탐구에 바탕을 두고 있고, 나의 관심을 끄는 것도 무엇보다 이 부분입니다. 하지만 과거 사람들이 접근하던 그러한 선은 아닙니다. 대학 시절, 난 옛 화가들이 작업하면서 그들이 한지 위의 공간을 다루는 방법을 배우면서 감명을 받았습니다. 그들은 선들로 공간을 채우기보다는, 보여주고자 하는 울림을 충분히 느끼게 하는 몇 개의 선들로 공간을 적절하게 다루어 충만감을 느끼게 할 줄 알았습니다. 저는 이와도 다릅니다. 저는 소묘화가처럼 선을 사용하지 않습니다. 특정 공간이나 원근법을 이루어내려 하지도 않습니다. 나는 단순히 선을 부조浮彫 방식으로 사용하기를 원하고, 선이 빛을 가장 잘 받아들여 붙잡아 둘 수 있도록 볼륨을 주고 있습니다.

D’où vient cette volonté ?

이러한 작업 의지는 어디서 비롯되었습니까?

Je suis né à Yeongyang, une ville au pied de montagnes et, enfant, j’ai été élevé en voyant ces champs en pente, avec des sillons importants, dans lesquels on plante du piment et du tabac, qui sont les grandes spécialités de cette région de Corée du sud. Pour favoriser cette culture et faciliter la croissance des plants, on les recouvre de grandes bâches en plastique noir qui conservent ainsi la chaleur en créant un effet de serre. J’ai toujours gardé le souvenir de ces rainures, des jeux de miroitement et de matité des bâches et de la lumière qui s’en dégage. De même j’ai encore en mémoire les différentes directions, les sens, les orientations que donnaient ces alignements de lignes et les impressions que cela générait. Ce sont ces impressions que j’essaye de retrouver et de reproduire avec mon travail, ces expériences visuelles que j’ai toujours en tête.

나는 산골 마을 영양에서 태어났으며, 어릴 적 고랑이 뚜렷한 그 비탈진 밭들을 보며 자랐습니다. 그 곳 밭에 사람들은 한국의 지역 특산물인 고추와 담배를 심었습니다. 경작에 도움을 주고 성장을 북돋우기 위해 사람들은 밭을 검은 비닐로 덮어 온실 마냥 열을 보존하였습니다. 난 그 줄무늬 고랑들을, 검은 비닐 덮개로 인한 반짝임과 무광택 사이의 놀이를, 거기서 비롯한 빛의 효과를 난 늘 추억으로 간직하고 있습니다. 마찬가지로 나는 이 나란히 늘어서 있는 선들이 낳은 방향과 경로 그리고 지향 그리고 이 모두에 따른 인상들을 기억하고 있습니다. 내가 나의 작업들을 통해 되찾아 되살려 보고 싶은 것은 다름 아닌 이 인상들, 뇌리를 떠나지 않는 그 시각적 경험들입니다.

Avez-vous été influencé par le cubisme, par l’abstraction géométrique ?

당신은 입체파나 기하학적 추상의 영향을 받은 적이 있습니까?

Je connais bien évidemment ces mouvements, mais ils ne m’ont pas influencé et je n’ai même pas le sentiment d’en faire partie. Je ne travaille pas dans ce registre là. Si mes œuvres paraissent calculées, construites, elles le sont une fois qu’elles sont finies, c’est le résultat qui donne cet effet là. Car leur ordonnancement n’est pas prémédité, réfléchi. Il est beaucoup plus le fruit du hasard, de la spontanéité. Avec dans ma tête les références de mon enfance que j’ai évoquées précédemment, je dirai que mon travail est surtout très intuitif. Souvent c’est lorsque l’œuvre est terminée que je réalise précisément ce que j’ai fait.

이 조형 운동에 대해 잘 알고 있지만, 나에게 아무런 영향을 주지 않았고, 나는 이러한 계열에서 작업하고 있지도 않습니다. 나의 작업이 계산되고 구축된 것으로 보인다면, 일단 작업이 끝났을 때 그러하다고 하겠는데, 작업의 결과가 그러한 효과를 주는 것입니다. 왜냐하면 작품의 진행과정이 미리 검토하고 숙고한 것은 아니기 때문입니다. 그것은 오히려 우연의 결과, 자연발생적 결과라 하겠습니다. 앞서 말씀드린 어린 시절 내 뇌리 속의 지침들과 함께, 나의 작업은 특히나 매우 직관적이라 말하고 싶습니다. 내가 작업한 것을 마침내 현실화하는 것은 종종 작업이 끝났을 때입니다.

Vos œuvres sont presque toujours dans des tonalités monochromes. Comment vous situez-vous par rapport au mouvement Dansaekhwa qui a justement fait du monochrome l’un de ses principes fondateurs ?

당신의 작품은 거의 언제나 단색 색조에 머무르고 있습니다. 단색을 기본 원칙으로 삼고 있는 단색화와 관련하여 당신은 어디에 위치하고 있다고 생각합니까?

C’est vrai et effectivement je fais partie de la première génération d’artistes qui a suivi Dansaekhwa. Mais je n’ai absolument pas le sentiment d’avoir été influencé par l’un ou l’autre des artistes qui en font partie, ni par le mouvement de façon générale. Bien évidemment, Dansaekhwa est inscrit dans ma mémoire et a certainement laissé des traces plus ou moins conscientes dans mon esprit, mais je m’en sens totalement affranchi. Je n’ai jamais été marqué par eux, je n’ai jamais eu les mêmes préoccupations. Avec toute l’admiration que l’on peut avoir pour leur engagement et pour leurs pratiques, il ne faut jamais oublier qu’ils appartiennent à une époque très différente de celle dans laquelle nous vivons aujourd’hui. Le contexte n’est pas du tout le même.

그렇습니다. 그리고 실제로 나는 단색화를 잇는 첫 번째 세대에 속하는 작가입니다. 분명 단색화는 내 기억에 남아 있으며, 나의 생각 속에 분명 다소간 의식될만한 흔적을 남기기도 하였습니다. 하지만 나는 거기서 완전히 떠나 있다고 느끼고 있습니다. 그들을 통해 나를 드러낼 수도 없었고, 결코 같은 유형의 관심을 나누지도 않았습니다. 그들의 참여와 그들의 실천에 대한 경의는 잊지 않더라도, 그들은 우리가 살고 있는 시대와는 또 다른 시대에 속한 화가들이었음을 잊지 말아야 합니다. 맥락은 결코 같지 않습니다.

Qu’est-ce qui vous différencie d’eux ?

당신과 그들과의 차이점은 무엇입니까?

Sur un plan formel, tous ces artistes ont travaillé, de façon générale, dans la même direction et selon les mêmes principes de l’accumulation, de la superposition, de la répétition des mêmes gestes. De ce point de vue, il y a bien sûr une ressemblance avec mon travail. Mais dans le fond, la procédure est très différente, le processus créatif n’a rien à voir. Et contrairement à ce que l’on pourrait croire au premier coup d’œil, il n’y a rien de systématique, de mécanique dans ma démarche. Je procède au contraire d’une façon très complexe.

형식적 차원에서 볼 때, 모든 단색화 화가들은, 일반적으로 동일한 관심에서, 이를테면 같은 제스츄어의 축적, 중첩, 반복이라는 동일한 원칙에 따라 작업을 행하였습니다. 이렇게 볼 때, 분명 나의 작업과 유사한 점이 있습니다. 하지만 그 바탕에 있어서 작업 방식은 매우 다르고, 더구나 창작 과정 내면을 들여다보면 더욱 그러할 것입니다. 첫 눈에 보고 흔히 그렇게 생각할 수도 있는 것과는 달리, 나의 작업에는 체계적이고, 기계적인 것은 전혀 없습니다. 오히려 나는 매우 복합적인 방식으로 작업을 진행해 나갑니다.

Certaines de vos œuvres évoquent la figure du labyrinthe. Est-ce un concept qui vous intéresse ?

당신의 어떤 작업들은 미로迷路의 형상을 떠올리게도 합니다. 이것은 당신이 관심을 두고 있는 하나의 개념인지요?

Non pas particulièrement. L’idée du labyrinthe appartient à l’esprit européen. Chez nous c’est une figure mentale qui n’existe pas. Si je crée des reliefs, des volumes, des petites vallées en U, c’est avant tout, je le répète, pour jouer avec la lumière, l’introduire et l’accueillir à l’intérieur même de chaque œuvre.

특별히 그렇지 않습니다. 미로의 관념은 유럽인들의 사유에서 온 것입니다. 이것은 우리에게는 존재하지 않는 정신적 형상입니다. 내가 부조 방식으로 작업을 하고, 볼륨을 주고, U자 형태의 작은 골짜기들을 이루어가는 것은 무엇보다도, 다시 말씀드리지만, 빛과의 놀이를 위해서랍니다. 각각의 작품 내면으로 빛을 불러들여 맞이하기 위해서 말입니다.

Cette lumière, comment la travaillez-vous ?

이 빛을, 당신의 어떻게 작업하십니까?

A mes débuts, j’utilisais des tissus que je trempais dans la couleur, je les ressortais, je repeignais dessus, cela créait des effets de transparence intéressants par rapport aux lumières que je recherchais. Aujourd’hui, même si ma technique a évolué, je continue à rechercher les variations de lumière. C’est d’ailleurs le résultat qu’on obtient lorsqu’on accroche l’une de mes oeuvres sur un mur : sa lumière change constamment tout au long de la journée en fonction même de la lumière extérieure. Et si mon travail se prête bien à l’installation, s’il peut se développer dans l’espace sous cette forme-là, c’est parce qu’il peut recevoir la lumière en fonction de différentes sources. Les Impressionnistes, et je pense notamment à Monet, devaient peindre plusieurs tableaux pour montrer l’évolution de la lumière dans une journée. Avec moi, on peut la suivre sur une seule œuvre.

처음에 나는 천을 물감에 적시고 다시 꺼내 그 위에 다시 색을 칠하는 식으로 천들을 사용하였는데, 이러한 방식은 내가 찾고 있던 빛과 관련하여 흥미로운 투명성의 효과를 주었습니다. 지금은 나의 기법이 달라지기는 했지만 나는 계속해서 빛의 변화를 추구하고 있습니다. 이것은 한편으로는 나의 작업들을 벽에 걸 때 얻을 수 있는 결과로 나타나기도 합니다. 가령 작품의 빛은 바깥에서 들어오는 빛에 따라 계속해서 바뀌어 나갑니다. 나의 작업을 설치의 개념으로 받아들여, 이러한 식으로 공간에서의 전개가 이루어질 수 있다면, 그것은 나의 작업이 빛을 다양한 가능의 원천으로 받아들일 수 있기 때문입니다. 인상주의 자들, 특히 나는 모네를 생각하고 있는데, 그들은 하루의 빛의 변화 과정을 보여주기 위해서 여러 장의 그림을 그렸어야 했습니다. 나의 경우는 한 작품으로 그 과정 전체를 따를 수 있습니다.

Quel est votre rapport au temps qui est un élément qui entre vraiment en compte dans votre démarche ?

당신의 작업에서 있어서 참으로 중요한 요소인 시간에 대해서는 어떤 생각을 가지고 있는지요?

Il est effectivement très important car il y a, comme je viens de le dire, le temps de la lumière mais il y a aussi le temps de fabrication. Comme le temps de séchage est très long, je travaille toujours plusieurs oeuvres en même temps. Elles se nourrissent ainsi les unes des autres et tout ce processus fait partie de l’œuvre. Je dis souvent que l’artiste est comme un paysan, c’est à dire un homme qu’on a laissé dans un champ pauvre, qui travaille beaucoup dans un environnement très calme, avec lenteur et qui accumule petit à petit le résultat de son labeur pour faire naître quelque chose qui au final ne lui appartient plus. Pour moi, l’art n’est pas uniquement un objet à regarder, c’est aussi tout le processus nécessaire pour arriver à un certain but, à un certain résultat. Le spectateur doit imaginer ce qui s’est passé en amont de ce qu’il voit, il doit prendre conscience du travail de sédimentation qui permet le résultat final.

시간은 실제로 매우 중요합니다. 왜냐하면, 방금 말씀드렸듯이, 빛의 시간이 있다면, 또한 제작 과정의 시간이 있습니다. 건조하는 데 오랜 시간을 필요로 하기 때문에, 나는 여러 작업을 동시에 진행합니다. 그 시간 속에서 작업들은 서로가 서로에게 자양自養이 되기도 하는데, 이러한 모든 과정이 나의 작업에 포함됩니다. 나는 종종 작가는 농부와도 같다고 말하고 있습니다. 이를테면 척박한 밭에 버려진 농부 말입니다. 농부는 조용한 환경에서 오랜 시간, 천천히 일을 합니다. 마침내 그의 손을 떠나가게 될 그 무엇을 낳기 위해 조금씩 조금씩 수고의 결과를 쌓아가면서 말입니다. 나에게 미술은 단지 눈으로 보는 대상일 수만은 없는데, 그것은 또한 어떤 목적에, 어떤 결실에 이르기 위해 필요한 과정입니다. 보는 사람은 그가 보고 있는 것 이전의 지나간 것들을 떠올려야 하고, 마지막 결실을 안겨주게 된 쌓여진 작업의 시간을 생각해보아야 합니다.

 

Dans vos œuvres récentes, vous avez abandonné les reliefs en résine et vous êtes revenu à la peinture. Qu’est-ce qui vous a conduit à ce changement ?

최근 작품들이 보여주고 있듯이, 당신은 합성수지의 부조 작업들을 떠나 다시 회화로 돌아왔습니다. 무슨 연유에서 인지요?

Depuis un an, en raison de la pandémie, tout est stoppé. J’ai été obligé d’annuler plusieurs projets qui étaient prévus, dont certains de longue date. Pour surmonter ce temps suspendu et étouffant, je me suis remis à la peinture, comme si c’était une évidence, comme une impérieuse nécessité, un devoir naturel. Il ne faut pas oublier qu’avant de travailler en relief avec de la résine, la peinture était mon travail principal. Mes toiles récentes, qui sont le résultat de touches libres et rappellent l’écriture calligraphique, sont la suite, le développement et la déclinaison de peintures plus anciennes. J’ai ainsi l’impression que le temps d’avant se prolonge dans ce nouveau travail, non pas tant sur un plan philosophique, mais plutôt du point de vue d’une temporalité ambigüe- comme la période que nous sommes en train de vivre-, à la fois visuelle et sensorielle, qui permet des allers et retours constants entre mes œuvres plus anciennes et celles à venir. En fait, ces toiles récentes sont assez proches de mes tableaux en relief, de façon logique d’ailleurs puisque toutes mes pratiques, aussi bien la peinture que le dessin, l’installation ou le travail avec la résine s’articulent autour des mêmes thèmes et d’un même pivot. Seuls les matériaux et les processus diffèrent, mais ma réflexion et ma démarche ne changent pas.

일 년 전부터 펜데믹 상황으로 인해 모든 게 중단되었습니다. 오래전부터 계획된 것을 포함해 예정된 많은 것들이 취소되었습니다. 이 숨막히는 정지된 시간을 이겨내기 위해 나는 미뤄두었던 회화 작업을 다시 시작하였습니다. 그것은 나에게 너무나 당연한, 절대적 필요에 의한, 자연스러운 숙제와도 같은 것이었습니다. 입체 부조 작업 이전에 회화 작업이 나의 주요 작업이었음을 말해두어야겠습니다. 먹선을 다양한 방향으로 자유롭게 그어 놓아 서체작품처럼 보이는 최근 작업(페인팅)들은 과거의 초기작들을 재해석하여 발전시킨 연작들입니다. 이렇게 하여 나는 과거의 시간들이 현재 속에 이어지고 있다는 느낌을 갖게 됩니다. 철학적이고 관념적인 영역을 말하는 것이 아닙니다. 내가 지금 경험하고 있는 시각적 감각적 시간의 모호성이 그러합니다. 여기서 나의 시선은 이전의 작업과 도래할 작업 사이를 쉼 없이 오가고 있습니다. 실제로 최근의 회화 작품은 부조 작업들과도 먼 곳에 있지 않습니다. 나에게 입체 및 설치, 페인팅 또는 드로잉 등 이 모든 예술적 실천은 동일한 주제 동일한 축을 중심으로 하여 서로 이어지고 있습니다. 다만 표현재료 및 프로세스의 차이일 뿐 작업 태도는 마찬가지입니다.

Vous avez toujours dit que vos œuvres en résine variaient beaucoup avec la lumière. En est-il de même avec ces nouvelles peintures ?

당신은 늘 부조 작업들이 갖는 빛과의 변조變調 관계를 말하였습니다. 새로운 회화 작품에서도 그러합니까?

Oui, la lumière est tout aussi importante mais elle joue de façon différente. mes œuvres en résine accrochaient la lumière, celle-ci est directement au cœur de la matière picturale dans mes œuvres récentes. C’est la peinture elle-même qui cette fois contient et condense la lumière, comme si elle était le résultat d’une mémoire d’une façon générale et également de ma propre mémoire. J’ai toujours recherché les lumières de mon enfance, ces lumières naturelles que je voyais dans les champs autour de chez moi, dans les rythmes lumineux accrochés par les lignes et les arêtes des sillons dessinés par la terre. En inscrivant la lumière directement au sein de la couleur et en jouant sur de subtiles variations, la peinture me permet la même approche et la même quête.

네. 빛은 부조회화와 마찬가지로 여전히 평면회화에서도 중요합니다. 단지 회화 의 경우, 부조회화처럼 빛을 직접적으로 끌어들이지 않고, 내 기억으로부터 떠오르는 빛을 품고 있습니다. 나의 회화는, 어릴 적 고향 경북 영양 그 곳 땅의 능선이나 밭이랑 등에서 느낀 선(線)들의 빛나는 운율과의 만남 속의 빛들을 찾고 있습니다. 빛을 색 속에 담으며 그 미묘한 변주를 즐길 때, 회화 작업은 부조 회화와 동일한 접근, 동일한 모색이라고도 할 수 있습니다.

 

Est-ce que ces nouvelles peintures évoquent, elles aussi, des paysages comme c’était le cas avec vos œuvres en résine ?

부조 회화에서 그러하였듯이, 새로운 회화 작품들을 통해서도 여전히 풍경을 불러들이고 있는지요?

Quelle que soit la technique et les matériaux que j’utilise, mon travail nait toujours du désir nostalgique lié à la mémoire et aux souvenirs de ma vie, un désir qui peut être aussi agréable et enveloppant qu’une brume de chaleur. Mon brush stroke, mon coup de pinceau qui anime la toile s’apparente pour moi au soc de la charrue qui laboure un champ. C’est une ligne qui se crée. Et qui crée quelque chose en même temps. Mon stroke line est donc déjà en soi un paysage.

내가 활용하는 기법이나 재료가 무엇이든, 나의 작업은 삶 속의 기억과 추억을 어루만지듯, 마음속에 피어오르는 ‘아지랑이와 같은 향기’를 드러내 보이고자 하는 바람에서 시작됩니다. ‘스트로크’는 나에게 있어서 화면에 길을 내는 ‘붓질’이요 밭에 고랑을 일구는 ‘쟁기질’입니다. 길을 내고 고랑을 일구는 ‘스트로크’, 그렇게 이루어가는 라인. 나에게 ‘스트로크-라인’은 그 자체가 이미 ’풍경이 된 선(線)‘에 다름 아닙니다.

Avec ces coups de pinceau, vous êtes resté fidèle à la monochromie…

이러한 붓질에 있어서도, 당신은 여전히 모노크롬에 충실한 듯 보이는데...

Pour mes œuvres en relief, j’ai utilisé plusieurs teintes, le rouge, le bleu, le vert, le blanc et le noir et ce toujours en monochromie. Avec la peinture j’ai voulu restreindre le nombre de couleurs, car en fait la diversité chromatique n’a pas une si grande importance dans mon travail. Ce qui m’intéresse avant tout, c’est la ligne. Dans les œuvres en relief, je veux donner du volume à la ligne pour qu’elle crée des espaces et introduise la lumière. Avec la peinture, la ligne s’affermit et se renforce uniquement avec le geste, l’énergie, la spontanéité des coups de pinceau. Les touches se superposent ou se télescopent, ce qui donne toute sa tension à l’espace. De même, avant de peindre, je dispose des morceaux de coton sur la toile qui se chevauchent légèrement les uns sur les autres. Ce chevauchement fait apparaître un pli discret, presque clandestin puisqu’à première vue la surface parait quasiment plane. Et ce sont justement les lignes monochromes qui passent dessus et cheminent uniquement par le fruit du hasard qui vont révéler cet effet inattendu de plans différents. En peinture, j’ai toujours le même souci de la ligne qui passe nécessairement par la monochromie.

이전 부조 회화 연작에서 레드, 블루, 화이트, 블랙 등 여러 단색들을 사용했는데, 이번에는 색채를 가급적 제한적으로 사용하려고 했습니다. 사실 색상의 종류는 내 작업에서 그렇게 중요하지 않습니다. 내가 궁극적으로 보여주고 싶은 것은 선(線)이기 때문입니다. 기존 부조 회화에는 선을 입체화시켜 공간을 빚어내고 빛을 받아들이려 하였습니다. 페인팅의 경우, 선은 붓질의 제스츄어, 에너지, 자발성을 통한 ‘스트로크’의 체험 그 자체가 확고해지고 강화되고 있습니다. 그렇게 화면 위의 선들은 서로 중첩되고 부딪히면서 마침내 긴장된 공간을 낳고 있습니다. 더욱이 작품을 시작하기 전에, 켄바스 위에 여러 조각들의 광목천을 서로 겹치게 하여 펼쳐놓으니 은근하면서도 은밀한 굴곡이 생겨납니다. 얼핏 평면으로 보이지만, 광목의 겹쳐짐이 낳는 굴곡 위로 선이 지나면서 단색조의 선은 의도치 않은 다양한 측면의 우연적 효과를 가져옵니다. 여하튼 회화에서도 부득이한 단색을 통한 선의 염려는 늘 한결같습니다.

Peut-on parler de répétition d’un même geste, d’un rythme ?

동일한 몸짓과 리듬에서 비롯한 반복을 이야기할 수 있는지요?

Oui, tout à fait. Cette répétition me permet d’échapper à une quelconque intention précise et artificielle, sans pour autant me bloquer dans un geste mécanique. J’ai envie de concevoir le mot « culture » dans le sens du verbe « cultiver ». Cultiver c’est la transition, le passage de la répétition à la différence. Moi, je cultive donc cette répétition comme on cultive un champ, c’est-à-dire toujours de la même manière, mais avec cependant toujours une part d’aléatoire et donc de nouveauté. Car la répétition n’exclut pas la différence. Paul Klee parlait de « Nature naturante », c’est-à-dire de la création comme genèse. En ce sens le temps est toujours un temps à venir. Le temps sans commencement ni fin.

그렇습니다. 동일한 몸짓과 리듬의 반복. 이러한 반복은 나로 하여금 정해진 인위적 의도에서 벗어나게 해줍니다. 그렇다고 기계적 반복을 말하는 것은 아닙니다. 문화라는 말도 동사로서는 경작을 의미한다. 경작은 반복에서 차이로의 이행이고 전이입니다. 나는 밭을 일구듯 반복적으로 작업합니다. 밭을 일구는 것은 같은 일이면서도 늘 다른 새로운 시작입니다. 반복은 차이를 배제하지 않습니다. 폴 클레는 “자연화 하는 자연”을 말하였습니다. 이를테면 기원起源으로서의 창조를. 이렇게 시간은 늘 오고 있는 시간입니다. 시작도 끝도 없는 시간.

 

Propos recueillis par Henri-François Debailleux

 

 

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